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Vanguardias artisticas del siglo XX

Pop Art

Portada para el disco
Portada para el disco “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles por Peter Blake.

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

El pop art circula en el mundo del arte bajo bandera estadounidense, vinculado a los nombres de Warhol, Lichtenstein, Oldenburg y Rauschenberg, pero también hubo en Europa artistas encuadrados en el movimiento que descubrió la fuerza de las imágenes de los medios de comunicación y los objetos cotidianos.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los “hot-dogs”, botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

RICHARD HAMILTON

Richard Hamilton, (n. Londres; 24 de febrero de 1922 – f. 13 de septiembre de 2011 ) fue un pintor británico, pionero del arte pop británico. Se convirtió en el máximo impulsor en Inglaterra de este nuevo arte nacido de lo urbano, provocador, cargado de humor, colores chillones. También barato, ingenioso que abogaba por la producción en serie, la cultura de masas y lo efímero. Era uno de sus gritos de guerra en el arte. Sólo dos años antes, el crítico británico Lawrence Alloway había dado el nombre de Pop Art a este tipo de arte creado de la publicidad, los carteles, las revistas, los cómics y el diseño industrial. En la obra aparecen elementos de la cultura de masas estadounidense: un culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, un cartel de cine y un enorme chupa-chups (caramelo con palo) sostenido por el culturista como si fuese una raqueta de tenis.

Richard Hamilton definió el pop art como una disciplina popular, efímera, de bajo costo, producida en masa, sexy, glamorosa y un gran negocio. Fue uno de los primeros en plantearse la exposición como una obra en sí misma, en ser comisario de exposiciones cuando este concepto aún no existía. Fue el diseñador de la cubierta del White Album (Álbum Blanco) de The Beatles, en 1968. Hamilton produjo series exquisitas de pinturas, dibujos e impresiones que abordan temas como el glamour, el consumismo, la mercancía y la cultura popular.

Instalación que realizó Hamilton para la exposición colectiva 'This is tomorrow', en 1956, y que ahora exhibe el Reina Sofía.
Instalación que realizó Hamilton para la exposición colectiva ‘This is tomorrow’, en 1956, y que ahora exhibe el Reina Sofía.
Collage
Collage
La detención de Jagger y Fraser. Litografía. 1967
La detención de Jagger y Fraser. Litografía. 1967

DAVIDD HOCKNEY

David Hockney, (9 de julio de 1937) es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor, y fotógrafo inglés. Fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, es considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.

Es el exponente más destacado de la segunda generación del pop art inglés. Cursó estudios en el Royal College of Art y comenzó su trayectoria muy influido por el expresionismo de Bacon, con una mezcla de formas figurativas y abstractas plasmadas mediante pinceladas gestuales, signos infantiles y graffiti, a los que añadía su particular toque humorístico. A partir de 1960 se instaló en Estados Unidos, donde trabajó a caballo entre Nueva York y California. Cultivó indistintamente la técnica de la pintura, del grabado y sobre todo de la fotografía, configurando grandes collages de imágenes yuxtapuestas tomadas con una Polaroid. En cuanto a la temática de sus obras, destacan sus series de Piscinas, tratadas a partir de superficies frías y colores lisos, con hombres dentro o fuera del agua; el figurativismo sirve en estas obras para explorar el terreno de la abstracción. En Matrimonios de estilo, otro de sus trabajos más conocidos, extrae imágenes de revistas populares con distintas parejas posando en su entorno doméstico.

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David Hockney Mr and Mrs Clark and Percy 1970
David-Hockney, heredlist
David-Hockney, heredlist

PETER BLAKE

Peter Thomas Blake (Dartford, Inglaterra, 25 de junio de 1932), pintor inglés contemporáneo.

Perteneciente a la primera generación de artistas pop británicos, estudió en el Gravesend Technical College, en la School of Art (1946-1951) y en el Royal College of Art de Londres (1953-1956).

Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics (1954, Museo y Galería de Arte Carlisle), con un estilo deliberadamente naif. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” siguen presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.

A diferencia de otros artistas de vanguardia de la época, como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, que utilizaban recortes de imágenes de anuncios y revistas, Blake presentaba imágenes ready-made sin alterar en obras como Fragmento de arte (1959, Tate Gallery, Londres) y Tengo novia (1960-1961, Galería de Arte Whitworth, Universidad de Mánchester).

Sad Alice.
Sad Alice.
Self-Portrait with Badges - Peter BlakeCharitable Foundation to celebrate the John Moores Liverpool Exhibition 1979
Self-Portrait with Badges – Peter BlakeCharitable Foundation to celebrate the John Moores Liverpool Exhibition 1979
Costume life drawing
Costume life drawing
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Cinetismo y Op Art

Vas Vegas, Victor Vasarely
Vas Vegas, Victor Vasarely

El Cinetismo y el Op Art son estilos son muy diferentes a los demás, sin embargo, son muy parecidas una a la otra.

El Cinetismo es una tendencia de la pintura, escultura, artesanía contemporáneas que hace referencia a aquellas obras creadas para producir la impresión o ilusión de movimiento. El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos.
Aunque el concepto apareció por primera vez en el Manifiesto realista firmado en 1920 por Antón Pevsner y Naum Gabo, su uso no se generalizó hasta la década de 1959. En la actualidad se conoce como arte cinético todas aquellas obras que producen en el espectador sensación de inestabilidad y movimiento a través de ilusiones ópticas, las que cambian de aspecto en virtud de la posición desde donde se contemplen y las que crean una aparente sensación de movimiento por la iluminación sucesiva de alguna de sus partes (los anuncios de neón).

El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano bidimensional.
Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
Busca la integración entre obra y espectador.

El Op art, también conocido como optical art y como arte óptico, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

Cabe destacar que muchos artistas se de estas dos corrientes se pasean de un estilo al otro, jugando a veces con los efectos ópticos de la linea y el color en el plano, y otros con los efectos del movimiento en estructuras tridimensionales.

MARTHA BOTO

Martha Boto (27 diciembre 1925 hasta 13 octubre 2004) nació en Buenos Aires en una familia originaria de España. Boto centró sus trabajos en la investigación sobre las variaciones ópticas de la luz y el color, así como la organización de elementos en estructuras rigurosas. Sus obras cinéticas y ópticas se orientaron a la yuxtaposición de relieves estáticos o móviles, experimentando con el azar, el juego y el movimiento. Estas búsquedas estéticas la llevaron a explorar el potencial de los materiales que podían modificar, absorber y reflejar la luz, como el aluminio, el acero inoxidable, el espejo y el plexiglás.

Untitled-1971.
Untitled-1971.
Demi cones avec anneaux de couleur - 4-15 - Martha Boto
Demi cones avec anneaux de couleur – 4-15 – Martha Boto
Déplacements A - Martha Boto
Déplacements A – Martha Boto

EUSEBIO SEMPERE

Eusebio Sempere (Onil, Alicante; 3 de abril de 1923 – ibídem, 10 de abril de 1985) fue un escultor, pintor y artista gráfico español. Es el pintor más representativo del movimiento cinético en su país. La línea y su repetición y un gran dominio del color que logra hacer vibrar la luz van a dar profundidad a sus composiciones pictóricas.

Eusebio Sempere aportó al op art una sensibilidad especial para el color, con tonos más suaves que otros artistas. Trabajó con muy diferentes soportes desde pintura clásica hasta arte cibernético. Realizó experiencias tan diversas como crear los decorados de un festival de la OTI o diseñar los fondos de los escaparates de unos grandes almacenes. Precisamente esos mismos almacenes han reproducido en 2005 en uno de sus establecimientos los escaparates tal y como Sempere y otros artistas los concibieron en los años 60.

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Organo, Madrid.
Organo, Madrid.

Eusebio Sempere 2VICTOR VASARELY

Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 – Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.

Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich.

A pesar de que podría haber sido un gran pintor figurativo o surrealista, Vasarely se decantó progresivamente por un tipo de arte más abstracto, primero en blanco y negro y después en color, en el que tienen cabida figuras reversibles y efectos ópticos.

Sus trabajos iban desde la pintura común hasta la creación de murales. Utilizó nuevos materiales como aluminio y cristal. Muchas veces no realizaba él mismo los cuadros sino que los concebía, hacía una versión reducida sobre papel milimetrado y luego sus ayudantes realizaban la obra agrandando el original bajo unas pautas estrictas.

Tenía un gran interés por la ciencia, que le llevó, entre otras cosas, a intentar utilizar el ordenador en la creación artística

Vasarely Artwork
Vasarely Artwork
Sin titulo, Víctor Vasarely
Sin titulo, Víctor Vasarely
Serigrafía
Serigrafía

La Nueva Figuración

Francis Bacon
Francis Bacon

Es un movimiento que plantea la vuelta a la figuración, representando la realidad social del momento bajo una actitud cínica, cruel y de burla. La abstracción geométrica había caído en franco declive y algunos artistas retoman el uso de la figura. Es una síntesis de movimientos si caracteres uniformes.

La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad («iconocidad»), en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas, como las obras de Francis Bacon, compuestas de manera desordenada (grupo Cobra).

Se desarrollaron dos orientaciones de este movimiento: la caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras (Adami (pintor), Raysse, Klasen, Proweller) y la centrada en la realidad social y política contemporánea (Arroyo, Equipo Crónica, Canogar, Aillaud, Parré).

La Nueva Figuración Argentina, se trata del surgimiento de una alternativa respecto a las tendencias dominantes de abstracción y el reciente nouveau realisme (nuevo realismo). El término agrupa artistas de tendencias muy diversas que participan del subjetivismo y de cierto tratamiento informal, al tiempo que recurren a la representación figurativa.

FRANCIS BACON

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 – Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional.

En el panorama del arte de la posguerra, el expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte, difícilmente relacionable con algunas de las distintas tendencias artísticas que recorren estos años. Toda la trayectoria pictórica de Bacon se caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX. Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés.

La visión atormentada de Bacon había de llamar necesariamente la atención de un público traumatizado por la experiencia de la guerra y todos sus males; pero así como los pintores informalistas orientan su angustia existencial hacia la indeterminación de la abstracción matérica, Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas dan como resultado una imagen del horror que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia.

Estudio del Papa Inocencio X de Velázquez. Óleo sobre lienzo, 153 x 118 cm
Estudio del Papa Inocencio X de Velázquez. Óleo sobre lienzo, 153 x 118 cm
Retrato de un hombre bajando una escalera, 1972.
Retrato de un hombre bajando una escalera, 1972.
Tres estudios de Lucian Freud 1969
Tres estudios de Lucian Freud 1969

JEAN DUBUFFET

Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre – 12 de mayo de 1985 en París) fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX.

Estudió pintura, pero se dedicó al comercio de vinos hasta 1942, año en que emprendió con carácter definitivo la carrera artística. Desde entonces hasta su muerte se convirtió en uno de los artistas más innovadores del panorama mundial.

Su nombre está vinculado en particular al art brut, tendencia que toma como referencia el arte popular, el arte de los niños o el de los enfermos mentales; se aspira con ello a una forma de creación en la que la espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación técnica. La importancia del arte de Dubuffet radica, por ello, en haber sido uno de los primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y las técnicas tradicionales.

Esta actitud provocó en los comienzos un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet gozaba ya de renombre y consideración mundiales. Como es obvio, su creación artística se distingue por el carácter primario del impulso creativo y por el empleo de diversos materiales en unión con la pintura, como arena, barro, yeso o detritus orgánicos.

A partir de 1966 se dedicó principalmente a la realización de esculturas y de montajes, algunos de los cuales se encuentran en diversas ciudades europeas. Para estas obras, por lo general de grandes dimensiones, se sirvió siempre de materiales de desecho, a los que según sus propias afirmaciones pretendió dar un nuevo valor, una nueva dignidad. En sus últimos años, y principalmente en las obras pictóricas, aplicó el color con menos violencia y de forma más estudiada, creando composiciones menos agresivas y que encierran algo de lirismo.

Le Bel costumé 1973 résine époxy, peinture polyuréthane oeuvre de Jean Dubuffet (1901-1985)
Le Bel costumé, 973
résine époxy, peinture polyuréthane
oeuvre de Jean Dubuffet (1901-1985)
Ontogénèse, Jean Dubuffet, 1975
Ontogénèse, Jean Dubuffet, 1975
Jardín de Invierno
Jardín de Invierno

WILLEM DE KOONING

Willem de Kooning (Róterdam; 24 de abril de 1904 – Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense. En sus primeras obras personales trata de solucionar el problema de conservar la figuración sin que la bidimensionalidad del lienzo quede enmascarada.

Kooning no llegó a ese estilo personal hasta haber experimentado con el automatismo, que le ayudó a transformar la línea en brochazos enérgicos; éstos se multiplican como una fuerza torrencial por todo el lienzo a partir de 1947, pero no abandonan nunca las referencias cubistas presentes en formas que se entretejen en una arquitectura que articula figura y fondo sobre un lienzo que, en ocasiones, muestra su blancura original, enfatizando el carácter brutal de las líneas y tachaduras gestuales.

Toda la obra de Kooning está presidida por el deseo de lograr una interacción entre espacio y materia, entre la ilusión representativa y la cualidad plana de la pintura, a la vez que es una lucha continua para lograr un equilibrio entre el protagonismo expresivo del dibujo y la inmediatez emotiva del color. El dinamismo de las composiciones transmite la energía del gesto del artista.

Woman I
Woman I
Two Women in the Country - Willem de Kooning
Two Women in the Country – Willem de Kooning
Willem de Kooning Marilyn Monroe, 1954.
Willem de Kooning Marilyn Monroe, 1954.

Expresionismno Abstracto y el informalismo Europeo

Antoni Tapies
Antoni Tápies

A causa de la guerra, los grandes centros artísticos europeos se trasladan a Estados Unidos, donde los grandes magnates de la industria se van a convertir en mecenas del arte y a formar una sociedad moderna sin tradiciones que la obstaculicen. Van a dirigir la cultura como los grandes negocios, fundan Universidades, museos, fundaciones,… La influencia europea se va a dejar sentir gracias a la emigración debida a la guerra.
En Nueva York va a surgir, merced la influencia de dos inmigrantes: Arshile Gorki y William de Kooning, la corriente denominada expresionismo abstracto, conocido también como Escuela de Nueva York, que dominó durante la década de los 50.
Los artistas del expresionismo abstracto se sirvieron de la pintura para liberar emociones y estados de ánimo, normalmente extremos: rabia, angustia, crispación,…, a menudo en grandes formatos. Dentro del movimiento, pueden distinguirse dos corrientes:
*Action Painting. Pintura de acción, más gestual y expresiva.
*Color Field Painting. Pintura de superficies de color que, algunos, consideran un estilo independiente.

En torno a 1945, un conjunto de pintores surgidos en Europa y EE.UU. protagonizaron, con su diversidad expresiva, una etapa crucial de la modernidad plástica que engloba un amplio espectro de experiencias abstractas que se dio en llamar Informalismo o arte informal.

En Europa, al amparo de la filosofía existencialista y aún bajo los traumáticos efectos de la Segunda Guerra Mundial, los artistas vuelven a la pintura, en la que el mestizaje expresivo y la síntesis prevalecen sobre las claves de utopía y experimentación que marcaron las vanguardias anteriores. La pintura informalista rompe con los últimos reductos del humanismo clásico y sus principios pictóricos más significativos: la forma, la armonía tonal, el equilibrio, las proporciones, la composición unitaria y la estructuración centralizada. Mientras tanto, en EE.UU. el arte progresa hacia un estilo de pintura basado en el gesto y en la expresión, que se ha descrito generalmente como Expresionismo Abstracto. Dentro de este movimiento se inscribe la pintura de acción, llamada así porque combina las cualidades expresivas heredadas del heroísmo subjetivo de los expresionistas con la técnica surrealista de la escritura automática, siendo Willem de Kooning uno de sus máximos representantes.

Otros miembros del Expresionismo Abstracto empleaban amplios planos de color para evocar determinados estados espirituales. Para estos pintores de campos de color, o pintores del “silencio”, como Mark Rothko, el mensaje es consecuencia de una actividad meditativa, de un intenso lirismo y espiritualidad.

JACKSON POLLOCK

De la primera de las corrientes, la figura más representativa es Jason Pollock (1922 – 1956). Formado en la Escuela de Artes de Los Ángeles, se trasladó a Nueva York donde estudió con Benton. Muy influenciado por los europeos: Cezanne, Picasso, Kandinsky, es conocedor de la obra de los muralistas americanos como Rivera. En su primera etapa realiza algunas obras de gran formato para el New Deal de Roosevelt. Desde 1940 compone grandes lienzos en forma continua, con gran rapidez. El tema siempre es abstracto, el interés fundamental es la pintura en sí misma. Su técnica llega a salpicar sobre un lienzo blanco en el suelo “chorros” de pintura cuyo resultado final supone la ruptura con todo tipo de proyecto inicial y los esquemas tradicionales. Cada color desarrolla su propio ritmo y lleva a la máxima intensidad su tono singular. El cuadro es como un conjunto de cuadros pintados en el mismo lienzo cuyos temas se entrelazan de forma vigorosa.

Jackson Pollock, “Lavender Mist”. Esmalte y otros materiales sobre tela, 1950
Jackson Pollock, “Lavender Mist”. Esmalte y otros materiales sobre tela, 1950
Pollok en acción
Pollok en acción
Jackson Pollock (1912-1956). Number 19, 1948. Óleo y esmalte sobre papel adherido a lienzo.
Jackson Pollock (1912-1956). Number 19, 1948. Óleo y esmalte sobre papel adherido a lienzo.

Pollock: La Vida de un Creador (2000) – Pelicula sobra la vida del artista.

MARK ROTHKO

Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903-Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos.

Desarrolla el espacio vacío sin personas ni objetos, percibiéndose este como luz y color. Da tantas manos de pintura como considera necesarias para llegara a crear transparencias con el color. Su intención es envolver y ambientar al espectador, abrir un espacio en nuestra imaginación a través de sus espacios organizados en formas geométricas de manchas de color. Las lisas superficies parecen emanar un sereno silencio, este espacio es como una morada del espíritu desde el cual no se divisa nada.

En Europa, tras la reconstrucción, se intentó la recomposición de la unidad cultural europea. La crisis del arte, paralela a la crisis de valores históricos, se manifiesta en tres etapas: la primera, se corresponde con la recuperación de las vanguardias con el fin de unir y reavivar los temas tratados por ellas. Esta etapa responde a los residuos de esperanzas revolucionarias europeas. La segunda, influida por el existencialismo, responde a la frustración de las esperanzas revolucionarias abocadas por una vuelta al conservadurismo político y, finalmente, en la tercera, se acaba por reconocer la hegemonía cultural americana y la inmersión del arte en la tecnología y la cultura de masas, y responde al control de todos los aspectos del mundo europeo por el imperialismo americano. Surge, así, la tendencia informalista, paralela al expresionismo abstracto norteamericano. La atmósfera de posguerra
y el existencialismo provocan un movimiento de tristeza, con una técnica basada en la velocidad y la violencia de ejecución.

Mark Rothko, Untitled 12
Mark Rothko, Untitled 12
 Black In Deep Red
Black In Deep Red
Orange and Yellow
Orange and Yellow

ANTONI TÁPIES

Antoni Tàpies (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 – ibídem, 6 de febrero de 2012), fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

Desarrolla desde 1950 la pintura metafísica utilizando materiales diversos en composiciones de escasas referencias figurativas, con gamas cromáticas oscuras. Sus obras son signos conceptuales de un gesto exasperado frente a la trayectoria de la vida política del país, y adquieren un aire combativo y de compromiso social. Su evolución posterior se acerca a los pintores del arte povera y del arte conceptual.

Esperit Catala,  Antoni Tàpies
Esperit Catala, Antoni Tàpies
Tapies
Tapies
Foll (Galfetti 377). Original color lithograph, 1973
Foll (Galfetti 377). Original color lithograph, 1973
Calcetín, Fundación Antoni Tàpies.
Calcetín, Fundación Antoni Tàpies.

Abstracción Geométrica

Piet Mondrian, Tableau No. 1
Piet Mondrian, Tableau No. 1

Abstracción geométrica se ha denominado a un capítulo del arte abstracto desarrollado a partir de los años 1920, y se basa en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Surge como una reacción frente al excesivo subjetivismo de los artistas plásticos de épocas anteriores en un intento de distanciarse de lo puramente emocional. El discurso crítico de estos artistas se complementa con una exaltación exacerbada de las dos dimensiones frente al esfuerzo de la mayoría de los movimientos anteriores para tratar de representar una realidad tridimensional.

Basada en las leyes de la geometría y en las matemáticas, busca la simplificación de las formas hasta su presentación más elemental y genérica. El cubismo rompió con el realismo óptico, con el intento de representar la realidad tal y como se ve. Cezanne les había empujado a construir la realidad y no a copiarla, a través de un arte nuevo racional, a través de un nuevo clasicismo, a través de un arte constructivo. De ahí es de donde parten Piet Mondrian y Teo Von Doesburg, los dos neoplasticistas holandeses que fundan la revista “De Stijl” (El Estilo), en 1917, para practicar un arte abstracto y geométrico.
El movimiento, además de artístico, tiene una raíz filosófica, teosófica en concreto. El absoluto es para ellos, como lo fue para los hombres del gótico, la luz, el blanco, la conjunción de todos los colores. El negro representa la oscuridad, el no ser, la muerte. Los colores se jerarquizan, los hay primarios (rojo, amarillo y azul), secundarios, complementarios, etc. Pues bien, si queremos conocer, si queremos llegar a conclusiones, si queremos ser científicos tenemos que experimentar. La experimentación es la madre de la ciencia. Para eso hay que partir del mínimo. Hay que reducir la realidad de la pintura al mínimo de sus componentes.

PIET MONDRIAN

Piet Mondrian (Amesfoort, Países Bajos, 1872 – Nueva York, 1944) es un pintor holandés. Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.

Tras contemplar las primeras obras cubistas de Braque y Picasso, en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo.

La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo van Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar), fundó la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.

Tras residir varios años en París y Londres, en 1940 se trasladó a Nueva York, donde su obra se vio influida por el dinamismo de la vida urbana y por los ritmos de la música estadounidense, factores que implicaron una mayor atención a las posibilidades constructivas del color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente contacto a lo largo de su vida, dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética: el arte como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad.

Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926.
Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926.
Tableau I, by Piet Mondriaan
Tableau I, Piet Mondrian
Piet Mondrian, Victory boogie woogie
Piet Mondrian,
Victory boogie woogie

ROBERT DELAUNAY

Robert Delaunay (n. París, 12 de abril de 1885 – Montpellier, 25 de octubre de 1941) fue un pintor francés pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX.

Pintor francés. Comenzó su trayectoria pictórica influido por el trabajo de Georges Seurat, pasó luego por una breve etapa fauvista y derivó posteriormente hacia un estilo propio y colorista, basado en los principios del cubismo analítico.

Robert Delaunay investigó exhaustivamente las relaciones existentes entre forma y color: las obras que corresponden a su período de madurez se caracterizan por la utilización sistemática de formas circulares en colores planos, con el fin de dotar de movimiento a sus composiciones, tal y como aprendió de la teoría de simultaneísmo cromático de Chevreul.

Desde 1912 abrazó la abstracción, sin abandonar jamás su línea de experimentación, y hacia 1932 se adhirió al grupo Abstracción-Creación. De entre sus pinturas destacan las series de Saint-Severin, de la torre Eiffel y de ventanas sobre la ciudad, de la que partió el concepto de orfismo desarrollado por Guillaume Apollinaire. Desde mediados de los años treinta participó en diversos proyectos de integración del arte pictórico en la arquitectura de gran envergadura.

Robert_Delaunay. Torre Eiffel
Robert_Delaunay. Torre Eiffel
Ritmo, 1932
Ritmo, 1932
Ritmo N° 1
Ritmo N° 1

KAZIMIR MALÉVICH

Kazimir Severínovich Malévich (11 de febrero de 1878, Kiev – 15 de mayo de 1935, Leningrado) fue un pintor ruso creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX.

Creó un estilo de formas básicas y de colores puros llamado Suprematismo. Busca reducir la pintura a elementos geométricos, rectángulo, cuadrado, círculo y triángulo, hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico. También practica un uso restrictivo del color, hasta llegar al uso exclusivo del blanco y el negro.

1915 Cruz negra, Centro Pompidou
1915 Cruz negra, Centro Pompidou
Suprematismo (Supremus No. 58), 1916, Museo de Arte, Krasnodar
Suprematismo (Supremus No. 58), 1916, Museo de Arte, Krasnodar
1915 Cuadrado negro, Galeria Tretiakov
1915 Cuadrado negro, Galeria Tretiakov

Surrealismo

René Magritte, L'invenzione collettiva, 1935
René Magritte, L’invenzione collettiva, 1935

Movimiento artístico y literario que surgió en Francia después de la Primera Guerra Mundial y que se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional. Incluye la realización de las fases psicológicas que a sus ves se subdivide en inconsciente y subconsciente que sostienen la teoría de Sigmund Freud. El movimiento comienza en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.

El dadaísmo (que se opuso a la razón positivista y se rebeló contra las convenciones literarias burguesas) es el antecedente inmediato del surrealismo, cuyo primer manifiesto fue firmado por el poeta y crítico literario francés André Breton en 1924.

Tal como lo dice su nombre, el surrealismo como vanguardia artística se caracterizó por representar aquello que se observaba en la realidad de manera irreal, absurda o fantástica. En muchos casos, los cuadros surrealistas no son el producto de la realidad si no de los sueños y de las ideas no racionales que el artista poseía en su mente al momento de realizar la obra. Las obras no poseen una linealidad gráfica, los espacios están usualmente quebrados, las proporciones de las figuras no son reales y los colores muchas veces están invertidos.

El contexto sociopolítico de la época sin duda se relaciona con el desarrollo de esta vanguardia artística ya que la misma se insertó en un período histórico de crisis generalizada causada por la guerra y por las diferentes complicaciones económicas y sociales. Esta realidad de desesperanza, temor y desorden tuvo en el surrealismo uno de sus representantes más claros al mostrar estos artistas una realidad diferente, alterada y en muchos casos caótica.

Sin embargo, el surrealismo no fue simplemente un grupo de artistas que buscaban representar la realidad de manera diferente. Gracias al trabajo del francés André Breton, el movimiento se expandió a gran parte de Europa y lo hizo especialmente a nivel filosófico y teórico, llegando a establecer lo que ellos mismos llamaban “la Revolución Surrealista” o la total ausencia de pensamiento lógico y racional.

Entre los artistas más importantes del surrealismo se deben mencionar sin dudas a Salvador Dalí, René Magritte, Man Ray, Joan Miró, Max Ernst y muchos otros cuyas obras son inigualables en su estilo único, desafiante y profundamente poético.

SALVADOR DALÍ

Salvador Dalí (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Una característica principal de la obra de Dalí es la minuciosidad en el detalle de sus formas, las cuales se pueden considerar como simbólicas. Estas se muestran de una manera inconsciente la realidad misma del artista, siempre mostrando opuestos que se complementan, a esto se le llamó método paranoico critico. Los ejemplos más claros de esto son la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, dando primacía a lo mental sobre lo físico, incluso se puede llegar a observar una relación entre lo estático y el movimiento. Lo que hace con los objetos que representa es una destrucción del mismo como un intento de probar que tal objeto existe en la realidad, que aunque se centra en lo inconsciente, da una alternativa hiper real que confunde a la mente.

Su obra también está directamente relacionada con los principios del Psicoanálisis de Sigmund Freud. En primer lugar se hace evidente los mecanismos de defensa, siendo el más común la paranoia como una proyección de los miedos atribuidos a alguien externo al individuo. También, la sexualidad juega un papel importante en la obra de Dalí y en el psicoanálisis, la cual, en la teoría del desarrollo psicosexual se cree que desde el vientre materno se desarrollan fijaciones y traumas que estarán ligados con el comportamiento, pero estos se suprimen en el inconsciente.

Persistencia de la memoria, 1931.
Persistencia de la memoria, 1931.

Documental: Salvador Dalí, Maestro de Sueños

Leda Atomica
Leda Atomica, 1949.

Un Perro Andaluz, film realizado junto a Luis Buñuel.

Mae West, 1934-1936.
Mae West, 1934-1936.
Premonición de una guerra civil, 1936..
Premonición de una guerra civil, 1936.
La Tentación de San Antonio, 1946.
La Tentación de San Antonio, 1946.

RENÉ MAGRITTE

René François Ghislain Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica – 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Durante un primer período la obra de Magritte estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos.

unque mantenía cierta relación con Breton y los surrealistas, en ocasiones hubo distanciamientos entre ellos. Magritte siempre fue muy independiente, manteniendo sus ideas y principios artísticos por encima de modas o intereses grupales.

En sus cuadros es muy habitual ver juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones; además, Magritte manipulaba imágenes cotidianas como un juego con el que explorar los límites de la percepción. Más que las disquisiciones teóricas y el automatismo de los surrealistas del grupo de París, a Magritte le interesan la ironía, la subversión de los valores ópticos de la pintura tradicional y los juegos de palabras. Sus cuadros, por lo general, carecen de la complejidad, el dramatismo o la apariencia convulsa de otras obras surrealistas, y presentan a menudo guiños o referencias a la pintura tradicional. Le son comunes a los otros surrealistas, sin embargo, la apariencia onírica de sus cuadros, el gusto por la “imagen doble” o la imagen fragmentada, y la ironía iconoclasta.

Una de las obsesiones o motivo recurrente en su pintura es el encuentro de contrarios, de realidades contrastantes que se unen, resultando paradójicas y extrañas. Así, paisajes nocturnos iluminados por cielos claros con nubes (serie El imperio de las luces), botas que tienen la apariencia de pies descalzos, pesadas rocas o bolas de metal flotando ingrávidas en el aire…

Los amantes, 1928.
Los amantes, 1928.
El imperio de las luces, 1954.
El imperio de las luces, 1954.
El hijo del hombre, 1954.
El hijo del hombre, 1954.
L'Entrée en Scène
L’Entrée en Scène, 1961.

JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Sus paisajes emocionales, los que lo formarán como persona y artista, son esencialmente Mont-roig, París, Mallorca y más adelante Nueva York y Japón. Mont-roig, una pequeña población de la comarca del Baix Camp, será el contrapunto a la agitación intelectual que vive en París en los años veinte junto a los poetas surrealistas, y al estímulo del expresionismo abstracto que descubre en Nueva York en los años cuarenta. Más tarde, en plena Segunda Guerra Mundial, Joan Miró abandonará su exilio en Francia y se instalará en Palma de Mallorca, espacio de refugio y de trabajo, donde su amigo Josep Lluís Sert diseñará el taller que siempre había soñado.

El arraigo al paisaje de Mont-roig primero y al de Mallorca después será determinante en su obra. El vínculo con la tierra y el interés por los objetos cotidianos y por el entorno natural serán el trasfondo de algunas de sus investigaciones técnicas y formales. Miró huye del academicismo, a la búsqueda constante de una obra global y pura, no adscrita a ningún movimiento determinado. Contenido en las formas y en las manifestaciones públicas, es a través del hecho plástico donde Joan Miró muestra su rebeldía y una gran sensibilidad por los acontecimientos políticos y sociales que lo rodean. Este contraste de fuerzas le llevará a crear un lenguaje único y personalísimo que lo sitúa como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo “infantil” y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de “matarlos, asesinarlos o violarlos”, para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.

El oro del azul del cielo, 1967.
El oro del azul del cielo, 1967.
El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, 1939
El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, 1939
Gran maternidad, escultura en bronce situada en San Francisco.
Gran maternidad, escultura en bronce situada en San Francisco.

El Dadaismo

Fountain 1917, replica 1964 Marcel Duchamp 1887-1968 Purchased with assistance from the Friends of the Tate Gallery 1999 http://www.tate.org.uk/art/work/T07573
Marcel Duchamp, “La Fuente”, 1917.

Movimiento artístico y literario, iniciado por Tristan Tzara (1896-1963) en 1916, que propugna la liberación de la fantasía y la puesta en tela de juicio de todos los modos de expresión tradicionales.

Surgió durante la Primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes. El término tiene su origen en el francés dadaïsme.

No obstante, el movimiento cultural como tal se cree, por otros muchos historiadores y artistas, que fue creado propiamente por el escritor alemán Hugo Ball. El año 1916 y el Cabaret Voltaire de Suiza se consideran así el momento y el lugar donde se produjo el nacimiento de aquel, que revolucionaría el mundo del arte en general.

Se dice que Tristan Tzara tomó un diccionario, lo puso encima de su escritorio y queriendo buscar una palabra abrió el diccionario en una página y buscó la palabra más rara y desconocida, y encontró dadà, que significa ‘caballo de madera’ en francés.

El mismo Tzara ofreció diversas explicaciones sobre la palabra, todas apuntando al sinsentido de la misma y, no obstante, confusas. Entre éstas encontramos, en el Manifiesto dadaísta de 1918, lo siguiente:

Dadá no significa nada. Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder su tiempo con una palabra que no significa nada […] Por los periódicos sabemos que los negros kru llaman dadá al rabo de la vaca sagrada. El cubo y la madre en cierta comarca de Italia reciben el nombre de dadá. Un caballo de madera en francés, la nodriza, la doble afirmación en ruso y en rumano: dadá.
Todo apunta que los dadaístas querían mostrarle a su público que la palabra dadá, el nombre de su movimiento, era poco importante; lo que importaba era el arte, la creación que de su agrupación surgiera.

Suela ser conocido como el anti-arte. Sus integrantes apelaban, por ejemplo, a materiales inusuales para la confección de las obras artísticas.

La influencia del dadaísmo hace que, en la actualidad, todavía se debata sobre qué es el arte y qué creaciones deben ser consideradas como artísticas. La ausencia de reglas fijas y convenciones que promulgaban los dadaístas aún tienen vigencia para muchos artistas.

MARCEL DUCHAMP

Marcel Duchamp (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 – Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop más adelante. Al igual que este, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n.º 2, obra personalísima en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York, donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa.

Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX. Fue enviado para participar en una exposición. Las bases de la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza establecía que todas las obras serían aceptadas, pero la Fuente fue retirada rápidamente. El mingitorio original se ha perdido. La obra es considerada como un hito importante en el arte del siglo XX. Las réplicas por encargo de Duchamp en la década de 1960 están ahora en exhibición en una serie de diferentes museos.

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El Gran Vidrio, 1943
Desnudo bajando una escalera, 1912
Desnudo bajando una escalera, 1912
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Rueda de bicicleta (Ready made), 1913

JEAN (HANS) ARP

Hans (Jean) Arp (16 de septiembre de 1887- 7 de junio de 1966) fue un escultor, poeta y pintor francoalemán. Es una figura fundamental para la historia del dadaísmo, el surrealismo y la abstracción y, no obstante, hoy en día es difícil situarse ante este creador. Arp se asocia sobre todo a una abstracción orgánica y amorfa, una abstracción elemental que ha sido banalizada y repetida hasta la saciedad. En cualquier comercio de subproductos artísticos se encuentran esculturas de este tipo de abstracción.

Según su testimonio, Arp cortaba papeles de colores y los lanzaba al aire dejándolos caer de manera que la composición resultante era completamente arbitraria. El azar para el dadaísmo era una manera de ser o una suerte de lenguaje que cuestionaba la noción de cultura tradicional basada en el trabajo, la obra bien hecha, la habilidad… Pero para Arp es también una llave que abre los misterios de la vida. El mismo artista comenta que estas obras ordenadas por la “ley de azar” estaban como dispuestas por la “ley de la naturaleza” y que le servían para aproximarse a un orden inaccesible. El azar como el descubrimiento de maravillas, éste me parece que es el sentido del azar en Arp. Con ello, los dadaístas (indirectamente) y Arp ampliaron la noción de arte, un mensaje fecundo que la generación posterior profundizó. Dicho sea de paso, hoy en día parece dudoso que algunas de estas obras, demasiado bien articuladas y compuestas, sean resultado exclusivo del azar. Como en el caso de Miró, el azar y el gesto espontáneo posiblemente son reconducidos y reelaborados en un segundo momento.

Pastor de Nubes (1953), Ciudad Universitaria de Caracas.
Pastor de Nubes (1953), Ciudad Universitaria de Caracas.
Lèvres et glace a main, Jean Arp 1927
Lèvres et glace a main, Jean Arp 1927
Terrestrial Forest Form - Jean Arp
Terrestrial Forest Form – Jean Arp

MAN RAY

Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 – París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Tocó varias disciplinas artísticas. Realizó películas, esculturas, obra gráfica, pinturas dibujos, y sobre todo fotografías. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.

El carácter experimental es impronta en Man Ray, de manera que su aproximación a la fotografía estuvo revestida de lo novedoso y de tonalidades en cierto modo “abstractas”. Así, la técnica utilizada por él, los “rayogramas”, consistían de la exposición de película fotográfica en contacto con diversos objetos, pero sin la utilización de cámaras. La dimensión de lo emocional aparece en su obra con un claro trastocamiento del mundo real en donde confluyen el absurdo, la calidez, el erotismo y el humor. Hay, sin duda alguna, una constelación muy sesuda en la propuesta de este creador.

Le Retour A La Raison by Man Ray 1923

La Puericultura  II, 1920.
La Puericultura II, 1920.
Man Ray, Les Larmes - 1932
Man Ray, Les Larmes – 1932
Violín de Ingres, 1924
Violín de Ingres, 1924

El Futurismo Italiano

Umberto Boccioni, "Volumen horizontall", 1912.
Umberto Boccioni, “Volumen horizontall”, 1912.

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, con el arte tradicional (el llamado Pasadismo), es tan así que se llegó a considerar que los museos, eran sitios equivalentes a los cementerios, lugar donde la tradición artística común, lo impregnaba todo. Además se les llama así porque mira a través de los elementos modernos como las maquinas, al futuro ya que estos buscan reconstruir al mundo, empezar de nuevo.
Rechazó la estética tradicional, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina junto con lo moderno (y sus virtudes, la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento) y el dinamismo, lo que lleva a mostrar la velocidad y el movimiento.

El futurismo elogio la violencia, el nacionalismo revolucionario y la guerra, provocando en caso de algunos de sus integrantes (Marinetti, Papini, Soffici) la adhesión al fascismo. Justifica su apoyo a la guerra, como la formula para sanar y cambiar a nuestro mundo caótico.
Entre otras cosas, la estética futurista transmite una ética, de raíz fundamentalmente machista y misógina.

El hecho es que el futurismo fue un paso más en la marcha del arte contemporáneo y fue la primera de las vanguardias artísticas y su valor como movimiento rupturista dio paso a las demás corrientes que refrescaron el panorama artístico en los principios del siglo XX.

Umberto Boccioni

Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 – Sorte, Verona, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.

Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.

Pese a su corta vida y al escaso número de esculturas que dejó, Boccioni destaca como uno de los máximos innovadores de la escultura en la primera vanguardia. Fue pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica.

En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo.

Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo.

Dinamismo de un ciclista, 1913.
Dinamismo de un ciclista, 1913.
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913)
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913)
Ídolo moderno, 1911.
Ídolo moderno, 1911.

Luigi Russolo

Luigi Russolo (30 de abril de 1885 – 4 de febrero de 1947) fue un pintor futurista y compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913). Muy interesado por la música, por el sonido… que intenta fusionar el arte con los sentidos. Crear un arte que se puedan integrar más sentidos, jugando con la sinestesia. Daba conciertos de ruido (música vinculada al futurismo). Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia. También es uno de los primeros filósofos de la música electrónica.

Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca “Los Relámpagos” de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.

Aunque sus pinturas no tuvieron un amplio impacto, su música y sus instrumentos para hacer ruidos contribuyeron significativamente al movimiento futurista. Además de exponer sus principios en el manifiesto El arte de los Ruidos de 1913, inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o “entonador de ruidos”, que fue duramente criticada en la época. Nada de ella sobrevivió a los bombardeos de la guerra aunque sí quedaron grabaciones de cómo se escuchaba junto con una orquesta.

Una muestra del sonido de su máquina llamada “Intonarumoris”

Luigi Russolo, ejecutando su música basada en el ruido.
Luigi Russolo, ejecutando su música basada en el ruido.
La Rivolta, 1911
La Rivolta, 1911
Dinamismo de un automóvil, 1912.
Dinamismo de un automóvil, 1912.

Giacomo Balla

Giacomo Balla (Turín, 18 de julio de 1871 – Roma, 1º de marzo de 1958), pintor y escultor italiano. Al contrario de otros de su mismo género, Balla fue un pintor lírico, ajeno a la violencia. Sus obras más reconocidas tratan la dinamicidad de la luz y el movimiento simultáneo.+

Sus inicios en la pintura fueron dentro del campo realista. Su estilo sufrió un cambio hacia 1909 cuando se interesa por la descripción de los procesos relacionados con la luz y el movimiento según se aprecia en obras como “La mano del Violinista” (1912) o “La velocidad de la Motocicleta” (1913).

En 1910 se encuadró dentro del estilo futurista al firmar el Manifiesto técnico de los pintores futuristas, movimiento que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. En obras como Dinamismo de un perro con correa (1912, Galería de arte Albright-Knox, Búfalo, Estado de Nueva York), intenta representar a un tiempo el movimiento y la velocidad. En la década de 1930 retornó a la pintura figurativa.

Luz de la calle, 1909
Luz de la calle, 1909
Image property of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY.
Image property of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY.
Construcción escultórica del ruido y la velocidad, 1914-1915, reconstruido en 1968, Hirschhorn Museum.
Construcción escultórica del ruido y la velocidad, 1914-1915, reconstruido en 1968, Hirschhorn Museum.

El Cubismo

Las señoritas de Avignon, 1907-3
Pablo Picaso. Las señoritas de Avignon, 1907-3

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Es una corriente clave en la historia del arte pues supone una ruptura definitiva de las artes tradicionales. El cubismo descompone las formas, y trata de mostrar las caras de los objetos desde todos sus ángulos, incluso los que deberían quedar ocultos a la vista del expectador.

Es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.»

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo.

El cubismo es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la “crítica”, llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

PICASSO

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 – Mougins, 8 de abril de 1973) es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.

Pasando por diversas etapas en la realización de su trabajo, su estilo va cambiando tras evolucionando de estilos como el de Cézanne, y tras su encuentro con la cultura africana a través de las máscaras, que lo lleva a crear su estilo más característico, propiamente cubista, evidenciándose primeramente en obras como Las Señoritas de Avignon.  Entre sus obras maestras figuran “Guernica” de fuerte contenido social,  pintado entre los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española.

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Guernica, 1937.
Toro (Grabado)
Toro (Grabado)
Gallo, 1938.
Gallo, 1938.

Documental. Picasso: un alma primitiva.

JUAN GRIS

Juan Gris, (Madrid, 23 de marzo de 1887 – Boulogne-sur-Seine, Boulogne-Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.

Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro tema que el del bodegón. Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.

Naturaleza Muerta con guitarra.
Naturaleza Muerta con guitarra.
Guitarra y mandolina, 1919, Galerie Beyeler, Basilea.
Guitarra y mandolina, 1919, Galerie Beyeler, Basilea.
Bodegón con botella de Burdeos, 1919, Werner, Berlín.
Bodegón con botella de Burdeos, 1919, Werner, Berlín.

GEORGE BRAQUE

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 13 de mayo de 1882 – París, 31 de agosto de 1963) fue un pintor y escultor francés. Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de “cubismo analítico” (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el “cubismo sintético”, es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético. También introducirá en sus pinturas los collages.

A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.

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Botellas y pescados, 1910.
Plato de frutas.
Plato de frutas.
Instrumentos musicales.
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